Найджел Эрнест Джеймс Манселл (Nigel Ernest James Mansell, 8 августа 1953 года) — английский автогонщик, чемпион мира по автогонкам в классе Формула-1 1992 года, ставший символом стойкости и неуступчивости в автоспорте.
В паддоке Формулы-1 Манселл получил два характерных прозвища. Первое — «Большой Найдж» — за свое габаритное телосложение и простоту в общении. Второе, более известное — «Британский лев» — за неуступчивость на трассе и стремление бороться за победу до последнего момента. Именно эти качества сделали его одним из самых ярких и запоминающихся пилотов в истории королевских гонок.
Карьера Манселла была отмечена невероятной стойкостью перед лицом травм. В 1977 году на трассе Брэндс-Хэтч он попал в страшную аварию, получив травму позвоночника. Врачи заявили, что он никогда больше не сядет за руль гоночного автомобиля, а если поднимется с кровати без разрешения, останется парализованным на всю жизнь. Через пять дней Манселл встал, написал расписку об отказе от лечения и поехал домой, а через месяц снова сел за руль.
Подобная ситуация повторилась в 1979 году — вторая травма позвоночника за два года не остановила будущего чемпиона. Находясь в больнице, он заявил руководителю команды «Лотус» Колину Чепмену: «Это не проблема. Я буду на тестах в Поль-Рикаре!» — и сдержал слово.
Звездным часом Манселла стал сезон 1992 года, когда он за рулем Williams FW14В с активной подвеской буквально доминировал в чемпионате. Его достижения того сезона впечатляют:
Манселл стал первым британцем-чемпионом со времен Джеймса Ханта (1976 год) и завоевал титул в свой 13-й сезон в Формуле-1 — рекорд по числу сезонов до первого чемпионства.
После триумфа в Формуле-1 Манселл перебрался в американскую серию CART (Индикар), где совершил невиданное — стал чемпионом в дебютном сезоне 1993 года. Он остается единственным в истории автогонщиком, который смог завоевать титулы действующего чемпиона мира в Формуле-1 и Индикаре в соседних сезонах.
По окончании карьеры Манселл входил в пятерку лучших пилотов Ф1 по основным статистическим показателям:
В контексте 1993 года сравнение с Манселлом было особенно актуальным — британец находился на пике славы, будучи действующим чемпионом Формулы-1 и свежеиспеченным чемпионом Индикара. Его имя ассоциировалось с мастерством вождения, надежностью и способностью справляться с любыми трудностями на дороге — качества, которые высоко ценились не только в автоспорте, но и в повседневной жизни автомобилистов.
Характеристика «готовый Найджел Манселл» в 1993 году означала высшую похвалу водительскому мастерству — сравнение с человеком, который мог выжать максимум из любого автомобиля и довести его до финиша, несмотря на любые препятствия.
Краковяк (польск. Krakowiak) — польский народный танец, который к концу XIX века стал одним из популярнейших бальных танцев в Российской империи и сохранял свою популярность в русской танцевальной культуре вплоть до середины XX века.
Танец возник среди краковяков — жителей Краковского воеводства в средневековой Польше. Уже в XIV веке краковяк получил распространение в шляхетской среде, где первоначально исполнялся исключительно мужчинами. Это был танец-демонстрация мужской удали, силы и благородства. Позднее краковяк стал парным танцем, где мужчина демонстрировал свое мастерство в паре с дамой.
Музыкальный размер краковяка — 2/4, темп быстрый, с характерными синкопами и акцентами на второй восьмой доле такта. Мелодия имеет оживленный, праздничный характер. Танец исполняется темпераментно, с горделивой осанкой, что подчеркивает его аристократическое происхождение.
В Российской империи краковяк появился во второй половине XVIII века и быстро завоевал популярность в дворянских кругах. Особенно широкое распространение он получил в XIX веке, когда стал неотъемлемой частью бальной программы русского дворянства. Краковяк танцевали на придворных балах, в дворянских усадьбах, в танцевальных залах Петербурга и Москвы.
Русский танцмейстер Н. Гавликовский создал специальную бальную версию краковяка, адаптированную для русской танцевальной традиции. Эта версия претерпела множество изменений и в итоге стала самостоятельным историко-бытовым танцем, который значительно отличался от своего польского прототипа.
Ритм и мелодика краковяка вдохновляли русских композиторов. Наиболее известные примеры использования краковяка в серьезной музыке — опера М. И. Глинки «Жизнь за царя» и балет Б. В. Асафьева «Бахчисарайский фонтан». Польский композитор Фредерик Шопен также обращался к этому танцу, создав знаменитое Рондо для фортепиано с оркестром на тему краковяка.
Народно-сценический вариант краковяка строится на сложных прыжковых движениях, которые исполняются легко и пластично. Основные элементы включают галоп, подскоки, «кшесаны» (высекание), тройной притоп, различные виды голубца, приставные шаги и повороты. Танец может исполняться как парами, так и с включением общих фигур — кругов, звезд и других построений.
Бальный вариант был более сдержанным и церемониальным, приспособленным для исполнения в бальных залах в соответствующих костюмах. Он требовал хорошей хореографической подготовки и знания сложных фигур.
К концу XIX века краковяк оставался популярным танцем на балах и в танцевальных залах, хотя и уступал по модности новым танцам, приходившим с Запада. В начале XX века он сохранялся главным образом как историко-бытовой танец, исполнявшийся на тематических балах и в театральных постановках.
В народной среде различные варианты краковяка продолжали жить своей жизнью, особенно в регионах с польским населением. Танец стал частью фольклорных традиций и народных праздников, где исполнялся под аккомпанемент народных инструментов.
Упоминание краковяка в художественном произведении, действие которого происходит в 1990-е годы, может символизировать связь с культурными традициями прошлого, ностальгию по дворянской культуре или просто передавать особое праздничное, торжественное настроение героя.
Упоминание имени «Афоня» в тексте — это отсылка к легендарному советскому фильму «Афоня» 1975 года режиссёра Георгия Данелии. Картина стала настоящим культурным феноменом, собрав в прокате 62,2 миллиона зрителей и заняв первое место по посещаемости в год выхода.
Главный герой фильма — Афанасий Борщев, которого все зовут просто Афоня, работает сантехником 4-го разряда в жилищно-эксплуатационной конторе (ЖЭКе). Это типичный представитель советского «маленького человека» — непутёвый, склонный к выпивке, но по-своему обаятельный персонаж. Афоня живёт одним днём, берёт взятки с клиентов, постоянно ищет возможности «приложиться к бутылке» вместе со своим приятелем-грузчиком Федулом.
Образ Афони стал нарицательным в советской и постсоветской культуре. Имя персонажа использовалось для обозначения человека беспечного, легкомысленного, живущего сегодняшним днём. В контексте 1990-х годов, когда происходит действие романа, отсылка к Афоне приобретает особое звучание — это время, когда многие советские ценности и стереотипы ещё были живы в народном сознании, а герои классических фильмов воспринимались как знакомые типажи.
Роль Афанасия Борщева исполнил выдающийся советский актёр Леонид Вячеславович Куравлёв (1936-2022). Эта работа стала одной из самых ярких в его карьере и принесла ему всенародную любовь. Куравлёв сумел создать живой, достоверный образ простого советского человека, в котором зрители узнавали себя или своих знакомых.
Сам актёр признавался, что ему не пришлось долго вживаться в роль, поскольку он сам был «таким парнем» — выходцем из рабочей семьи, выросшим на московской окраине. Куравлёв родился в семье слесаря авиазавода, пережил тяжёлое военное детство (мать была репрессирована), жил в условиях послевоенной бедности. Этот жизненный опыт позволил ему с особой достоверностью передать характер своего героя.
Фильм «Афоня» затрагивает глубокие темы одиночества, поиска смысла жизни, любви и человеческих отношений. Несмотря на комедийную форму, картина поднимает серьёзные вопросы о том, как прожить жизнь достойно, не растратив её попусту. Финал фильма, где Афоня встречает на аэродроме медсестру Катю, символизирует возможность духовного возрождения и обретения счастья.
В народной памяти Афоня остался символом «золотого века» советского кинематографа 1970-х годов, когда создавались фильмы о простых людях с их радостями и печалями. Образ стал частью культурного кода: когда кого-то называли «Афоней», это означало характеристику человека как беспечного, но доброго, возможно, не слишком ответственного, но искреннего.
К середине 1990-х годов, когда происходят события романа, фильму «Афоня» исполнилось уже двадцать лет, но он оставался одним из самых любимых и узнаваемых произведений советского кино. Цитаты из картины стали крылатыми фразами, а имя главного героя — нарицательным. Упоминание Афони в тексте романа мгновенно создаёт у читателя ассоциации с определённым типом характера и поведения, что делает художественный образ более ярким и понятным.
Газированные напитки в Советском Союзе представляли собой отдельный пласт потребительской культуры. Производство лимонадов развивалось на территории СССР с 1930-х годов, достигнув массового распространения в послевоенный период. Напитки выпускались на пивоваренных заводах и специализированных предприятиях безалкогольной промышленности, входивших в структуру Министерства пищевой промышленности.
Основу производственного процесса составлял купаж — смесь всех компонентов напитка. Купаж готовился холодным, полугорячим или горячим способом в зависимости от рецептуры. Водная основа составляла около 80 процентов объема готового продукта. Крупные заводы использовали воду из собственных скважин с последующей фильтрацией, смягчением и дезинфекцией.
Насыщение углекислым газом осуществлялось в специальных установках — сатураторах. Степень газирования варьировалась от слабой до сильной. Жидкий диоксид углерода закупался у специализированных поставщиков, хотя пивоваренные заводы могли использовать газ, образующийся при брожении пива.
Освежающий эффект напитков обеспечивался растворенным диоксидом углерода и органическими кислотами, преимущественно лимонной. Лимонная кислота была синтезирована в промышленных масштабах в середине XIX века, что позволило наладить массовое производство газированных напитков.
Советские лимонады создавались на базе отраслевых стандартов — ОСТов, определявших точный состав и пропорции ингредиентов. Базовая композиция включала сахар, лимонную кислоту, двуокись углерода и специфические для каждого напитка вкусоароматические компоненты.
Для придания цвета использовался сахарный колер — жженый сахар, получаемый путем нагревания увлажненного сахара. Раствор колера имел темно-коричневый цвет и характерный запах. Колер относился к натуральным красителям и широко применялся в пищевой промышленности.
Вкусоароматические композиции для купажа создавались на основе эссенций и экстрактов. Эссенции представляли собой концентрированные вкусовые добавки, в основе которых могли быть как натуральные компоненты (соки, настои), так и синтетические вещества. Композиции для купажа содержали этиловый спирт в качестве консерванта, что обуславливало минимальное содержание алкоголя в готовом продукте — от 0,2 до 0,3 процента.
Газированные напитки разливались в стеклянные бутылки объемом 0,33 и 0,5 литра. Стекло было прозрачным, темно-зеленым или темно-оранжевым. Бутылки укупоривались жестяными пробками. Стеклянная тара являлась возвратной — после употребления напитка бутылки сдавались в торговые точки и направлялись на повторное использование после мойки и дезинфекции.
Срок хранения большинства лимонадов составлял 7 суток. Короткий срок годности объяснялся отсутствием или минимальным использованием консервантов. Напитки хранились в прохладных помещениях при температуре от +2 до +12 градусов Цельсия.
Продукция реализовывалась через государственную торговую сеть — продовольственные магазины, буфеты предприятий и учреждений, киоски. Часть напитков продавалась в розлив через уличные автоматы газированной воды. Автоматы предлагали воду без сиропа и воду с сиропом. Цена газированной воды без сиропа составляла 1 копейку, с сиропом — 3 копейки за стакан.
Розничные цены на газированные напитки в бутылках устанавливались централизованно и оставались стабильными на протяжении десятилетий. Стоимость определялась себестоимостью производства и включала цену напитка без учета тары. Цена стеклянной бутылки учитывалась отдельно и возвращалась при сдаче тары.
Ценовой диапазон лимонадов в 1970-1980-х годах составлял от 10 до 15 копеек за 0,5 литра без учета тары. Наиболее распространенные сорта стоили 10 копеек, некоторые специальные напитки с более сложной рецептурой — до 15 копеек. Цена бутылки составляла 12-15 копеек и возвращалась полностью при сдаче тары в торговую точку.
Напиток «Буратино» был разработан в начале 1970-х годов на Жигулевском пивоваренном заводе в Самаре (Куйбышев). Завод специализировался на производстве пива, но в его производственную программу входили и безалкогольные газированные напитки. Разработка новых рецептур лимонадов велась в заводских лабораториях совместно с научно-исследовательскими институтами пищевой промышленности.
Массовое производство «Буратино» началось в первой половине 1970-х годов. После успешного запуска на Жигулевском заводе рецептура была распространена на другие предприятия отрасли. Напиток производился практически на всех пивоваренных заводах и заводах газированных напитков СССР.
«Буратино» выпускался предприятиями во всех союзных республиках. Среди крупных производителей — Горьковский завод шампанских вин, Павловский пищевой комбинат Горьковской области, Останкинский завод фруктовых вод, Рязанский пивобезалкогольный завод, завод «Красный Восток» в Казани, Ярославский пиво-безалкогольный завод, Читинский пиво-безалкогольный комбинат, пищевой комплекс «Котласский».
Каждое предприятие работало по единому отраслевому стандарту ОСТ 18-117-73, что обеспечивало идентичность вкусовых характеристик напитка вне зависимости от места производства. Местные особенности могли проявляться в качестве исходной воды и незначительных вариациях технологического процесса, не выходивших за рамки стандарта.
Отраслевой стандарт устанавливал точные пропорции компонентов на 100 декалитров готового напитка (1000 литров). Состав включал:
Композиция для купажа представляла собой концентрированную смесь вкусоароматических компонентов. В основе композиции находились лимонная и апельсиновая эссенции. Эссенции создавались на базе натуральных соков лимона и апельсина с добавлением яблочных компонентов. Помимо фруктовой основы в композицию входил этиловый спирт, выполнявший функцию консерванта.
Содержание спирта в готовом напитке составляло от 0,2 до 0,3 процента. Это количество не относило напиток к алкогольной продукции и не влияло на его потребительские свойства, но обеспечивало микробиологическую стабильность купажа на этапе подготовки к розливу.
«Буратино» имел золотистый цвет, обусловленный использованием сахарного колера. Интенсивность окраски варьировалась от светло-золотистого до насыщенного янтарного в зависимости от количества колера. Напиток был прозрачным, без мути и осадка.
Вкус характеризовался как кисло-сладко-горький. Кислинка обеспечивалась лимонной кислотой и лимонной эссенцией. Сладость определялась количеством сахара. Легкая горчинка являлась характерной особенностью напитка и достигалась за счет апельсиновой эссенции, содержащей компоненты цедры.
Аромат сочетал цитрусовые ноты лимона и апельсина с легкими фруктовыми оттенками яблока. Газированность была средней или сильной, обеспечивая выраженный освежающий эффект.
Название напитка отсылало к персонажу повести Алексея Толстого «Золотой ключик, или приключения Буратино». На этикетках бутылок традиционно изображался сказочный персонаж — деревянный мальчик в колпачке. Визуальное оформление этикеток варьировалось в зависимости от производителя, но наличие изображения Буратино было обязательным элементом.
Права на товарный знак «Буратино» были зарегистрированы ОАО «Жигулевское пиво» в 1993 году. Регистрация осуществлялась в условиях перехода к рыночной экономике, когда появилась необходимость юридического закрепления прав на торговые марки, созданные в советский период.
«Буратино» относился к наиболее популярным и массовым сортам лимонада в СССР. Напиток присутствовал в торговой сети повсеместно и не являлся дефицитным продуктом. Доступность обеспечивалась большим количеством производителей и значительными объемами выпуска.
Цена напитка составляла 10 копеек за 0,5 литра без учета стоимости тары. Это была базовая цена для большинства советских лимонадов, что делало «Буратино» доступным для всех категорий населения.
Напиток продавался не только в бутылках, но и в розлив через уличные автоматы газированной воды. В автоматах «Буратино» предлагался как один из вариантов сиропа наряду с другими популярными вкусами.
Название напитка отсылало к старорусской традиции приготовления напитков из колокольного меда. Колокольный мед производился пчелами при сборе нектара с цветов колокольчика. В нескольких уездах Орловской губернии в XIX веке существовали специализированные пасеки — плантации колокольчиков, предназначенные для получения этого сорта меда.
Колокольчик считался растением богоугодным, поскольку форма цветка напоминала церковный колокол. Секреты приготовления напитков из колокольного меда передавались от монахов местным крестьянам. Наибольшей популярностью пользовался колокольный квас, ценившийся за тонкую кислинку и особый аромат. Производилась также колокольная медовуха, характеризовавшаяся мягким вкусом.
Традиции производства колокольного меда были утрачены после реформы 1861 года. Крестьянам, получившим личную свободу, было экономически выгоднее заниматься земледелием, чем культивированием цветочных плантаций. Помещики утратили возможность содержать крупные хозяйства, требовавшие значительных трудовых затрат.
Советский лимонад «Колокольчик» не содержал меда и не имел прямой рецептурной связи со старорусскими напитками. Название было выбрано как отсылка к исторической традиции и подчеркивало характерную для напитка кислинку, свойственную старинному колокольному квасу.
«Колокольчик» представлял собой бесцветный или светло-золотистый газированный напиток с цитрусовым вкусом. Основу составлял лимонный настой с добавлением лимонной кислоты и лимонной эссенции. Специфической особенностью рецептуры было включение аскорбиновой кислоты — витамина C.
Аскорбиновая кислота выполняла двойную функцию. С одной стороны, она усиливала кислый вкус напитка, придавая ему характерную кисловатую ноту. С другой стороны, аскорбиновая кислота позиционировалась как полезный компонент, обогащающий напиток витамином.
Главной вкусовой особенностью «Колокольчика» была выраженная кислинка, более интенсивная по сравнению с другими цитрусовыми лимонадами. По сравнению с напитком «Лимон» «Колокольчик» содержал меньшее количество лимонного настоя, что делало его вкус более легким и освежающим. Кислота не перекрывалась избыточной сладостью, обеспечивая бодрящий эффект.
«Колокольчик» производился на многих советских заводах безалкогольной продукции. Среди производителей — Московский пиво-безалкогольный комбинат и другие крупные предприятия отрасли. Напиток разливался в стеклянные бутылки объемом 0,33 и 0,5 литра.
На этикетках изображался колокольчик. Визуальный образ мог быть представлен как цветком колокольчика, так и стилизованным колоколом. Единого стандарта оформления этикеток не существовало, что позволяло производителям использовать различные графические решения.
В каждой союзной республике название напитка переводилось на национальные языки, но визуальное оформление и рецептура оставались единообразными.
Стоимость «Колокольчика» составляла от 13 до 15 копеек за бутылку 0,5 литра без учета тары. Это была более высокая цена по сравнению с базовыми лимонадами, стоившими 10 копеек. Повышенная стоимость объяснялась более сложной рецептурой и, вероятно, меньшими объемами производства.
В течение длительного времени «Колокольчик» считался элитным лимонадом. Напиток выпускался ограниченными партиями и поставлялся преимущественно в закрытые буфеты — столовые партийных комитетов, исполкомов, крупных предприятий и учреждений. В широкую продажу через обычную торговую сеть напиток поступал нерегулярно.
Причины такого распределения точно не установлены. Возможно, ограниченная доступность объяснялась особенностями рецептуры, требовавшей более дорогих или дефицитных компонентов. Другой версией является сознательное ограничение выпуска для создания образа престижного продукта.
В 1970-х годах «Колокольчик» стал поступать в массовую продажу. Напиток утратил статус элитного и стал доступен широким слоям населения через обычные продовольственные магазины и киоски.
Производство «Колокольчика» осуществлялось по отраслевым стандартам, определявшим состав и технологию изготовления. Современная рецептура, зафиксированная в ГОСТ 28188-89, описывает напиток как прозрачный светло-золотистый лимонад с кисло-сладким вкусом и ароматом лимона.
Срок хранения составлял 7 суток при соблюдении температурного режима от +2 до +12 градусов Цельсия. Короткий срок годности был характерен для всех советских лимонадов и объяснялся минимальным использованием консервантов.
После распада СССР производство традиционных советских лимонадов продолжилось в России и других постсоветских государствах. Рецептуры подверглись существенным изменениям, связанным с новыми экономическими условиями и изменением нормативной базы.
Основным изменением стало введение консервантов, продлевающих срок хранения. Если советские лимонады хранились 7 суток, то современные аналоги могут храниться месяцами. Наиболее распространенным консервантом стал бензоат натрия, обеспечивающий микробиологическую стабильность продукта.
Изменилась упаковка. Стеклянные бутылки объемом 0,5 литра остались в производстве, но основным видом тары стали пластиковые бутылки объемом от 0,5 до 2 литров. ПЭТ-упаковка снизила издержки на транспортировку и хранение, но изменила органолептические свойства напитка при длительном хранении.
Часть производителей заменила натуральные компоненты синтетическими аналогами. Натуральные эссенции и экстракты требуют более высоких затрат, чем искусственные ароматизаторы. Замена натуральных красителей синтетическими также снижает себестоимость производства.
В период перехода к рыночной экономике встал вопрос о правах на торговые марки, созданные в советское время. Многие названия лимонадов не имели официально зарегистрированных правообладателей, что приводило к конфликтам между производителями.
Товарный знак «Буратино» был зарегистрирован ОАО «Жигулевское пиво» в 1993 году. Регистрация осуществлялась предприятием, на котором напиток был разработан в начале 1970-х годов. Это закрепило за самарским производителем исключительные права на использование названия и визуального образа.
Другие производители, выпускавшие «Буратино» в советское время, оказались в правовой неопределенности. Часть предприятий продолжила производство под тем же названием, другие изменили наименование продукта или заключили лицензионные соглашения с правообладателем.
В настоящее время торговая марка «Буратино» широко распространена на российском рынке безалкогольных напитков. Продукт выпускается множеством производителей с различными вариациями рецептуры. Качество и состав напитков существенно различаются в зависимости от производителя.
Часть производителей придерживается классической рецептуры с использованием натуральных компонентов. Такие напитки имеют более высокую стоимость, но сохраняют органолептические характеристики, близкие к советскому оригиналу. Другие производители используют максимально упрощенную и удешевленную рецептуру с синтетическими ароматизаторами и красителями.
«Колокольчик» также присутствует на рынке, но в меньших объемах по сравнению с «Буратино». Напиток сохраняет характерную кислинку, хотя современные рецептуры могут отличаться от советского оригинала.
Срок хранения современных лимонадов составляет от нескольких месяцев до года в зависимости от состава и упаковки. Это достигается за счет использования консервантов и стерилизации производственных линий.
В середине 1990-х годов, когда музыкальный мир был поглощен гранжем и альтернативным роком, неожиданно возник феномен свинг-ревайвла. Его главным архитектором стал Брайан Сетцер, создавший оркестр из семнадцати музыкантов, который вернул в современность звучание биг-бэндов эпохи свинга и энергию рокабилли 1950-х годов.
The Brian Setzer Orchestra (иногда известный под аббревиатурой BSO) — это свинг и джамп-блюз группа, основанная в 1992 году фронтменом Stray Cats Брайаном Сетцером. Создание оркестра стало логичным продолжением музыкальных исканий Сетцера, который всю жизнь балансировал между различными американскими музыкальными традициями — от рокабилли до джаза, от блюза до биг-бэнда.
После распада Stray Cats в 1984 году Сетцер несколько лет искал свой путь в музыке. Его сольная карьера включала работу сессионным музыкантом и эксперименты с различными стилями. В 1994 году он выпустил дебютный альбом Brian Setzer Orchestra, который объединил его рокабилли-стиль со свингом, биг-бэндом и джамп-блюзом. Это был смелый эксперимент — взять энергию рок-н-ролла и поместить ее в контекст полноценного оркестра с духовой секцией.
Формат оркестра позволил Сетцеру реализовать свою давнюю любовь к музыке Луиса Примы и биг-бэндам, которую он впитал еще в юности, посещая легендарный джаз-клуб Village Vanguard. В то же время он не отказывался от своих рокабилли-корней, создавая уникальный гибрид, который мог бы звучать одновременно в танцевальном зале 1940-х и на рок-концерте 1990-х.
Композиция "Switchblade 327" стала одной из визитных карточек The Brian Setzer Orchestra и ярким примером их фирменного звучания. Название песни отсылает к switchblade — выкидному ножу, символу бунтарской культуры 1950-х годов, которую воспевали рокабилли-музыканты и которая нашла отражение в фильмах вроде "Бунтарь без причины".
Трек демонстрирует все характерные черты стиля BSO:
Число 327 в названии может иметь различные интерпретации — от номера модели автомобильного двигателя (что типично для рокабилли-культуры с ее культом классических американских машин) до просто загадочного кода, добавляющего песне мистики и бунтарского духа.
Музыкально "Switchblade 327" построена на контрасте между плавными свинговыми пассажами духовых инструментов и резкими, агрессивными гитарными атаками. Это как если бы оркестр Каунта Бэйси встретился с Эдди Кокраном на перекрестке истории американской музыки. Темп композиции поддерживается на высокой скорости, заставляя слушателя ощутить адреналин, характерный как для джамп-блюза, так и для рокабилли.
Настоящий успех пришел к оркестру в 1998 году с выходом альбома "The Dirty Boogie". Центральной композицией пластинки стала кавер-версия "Jump, Jive an' Wail" Луиса Примы, которая принесла группе широкую известность. Оригинальная версия этой песни появилась на альбоме Примы "The Wildest!" в 1957 году, и Сетцер воздал дань уважения одному из своих главных музыкальных героев.
Кавер-версия BSO стала хитом на Billboard, а видеоклип с зажигательными танцами свинговой эпохи получил активную ротацию на MTV. Песня выиграла премию Грэмми в категории "Лучшее поп-исполнение дуэтом или группой с вокалом", а композиция "Sleep Walk" с того же альбома получила Грэмми за "Лучшее поп-инструментальное исполнение".
Успех "The Dirty Boogie" стал катализатором свинг-ревайвла конца 1990-х. Внезапно по всей Америке открывались клубы, где молодежь танцевала линди-хоп и джиттербаг. Фильмы вроде "Swingers" (1996) с Винсом Воном популяризировали ретро-эстетику, а музыка BSO стала саундтреком к этому культурному феномену.
Следующий сингл оркестра "Gettin' in the Mood" с альбома "Vavoom!" продолжил успех, закрепив за The Brian Setzer Orchestra статус главной свинг-ревайвл группы десятилетия.
The Brian Setzer Orchestra часто выступает в декабрьские праздники, исполняя рождественские песни в своей уникальной манере. Группа регулярно играет на церемонии зажжения рождественской елки в Рокфеллер-центре, став частью американской праздничной традиции. В 2017 году оркестр провел масштабное турне "Christmas Rocks! 2017", включавшее 36 концертов с ноября по декабрь.
Мелодии Сетцера активно использовались в рекламных роликах, что помогло познакомить широкую аудиторию с его музыкой. Звучание BSO идеально подходило для создания атмосферы стиля, элегантности и энергии — качеств, которые рекламодатели хотели ассоциировать со своими продуктами.
Брайан Роберт Сетцер родился 10 апреля 1959 года в городе Массапекуа, штат Нью-Йорк, на Лонг-Айленде. Его музыкальное путешествие началось не с гитары, а с эуфониума — медного духового инструмента, на котором он играл в школьных джаз-бэндах. Это раннее знакомство с духовыми инструментами и джазовыми аранжировками позже окажет огромное влияние на его работу с оркестром.
В 1970-е годы юный Сетцер нашел способ посещать выступления в Village Vanguard — легендарном джаз-клубе в Гринвич-Виллидж, Нью-Йорк. Там он впитывал звучание джаза и биг-бэндов. Однако параллельно его привлекали блюз, рок, панк и рокабилли. Его музыкальные герои были разнообразны: от джамп-блюза Луиса Примы и Биг Джо Тернера до рок-н-ролла Элвиса Пресли, Эдди Кокрана, Джина Винсента и Карла Перкинса.
Это уникальное сочетание влияний — джаз, блюз, рокабилли и панк-энергия — сформировало музыкальную идентичность Сетцера. Он не был пуристом ни одного стиля, а стремился синтезировать различные американские музыкальные традиции в нечто новое и захватывающее.
В начале своей карьеры Сетцер играл в группах Bloodless Pharaohs и Tomcats, которую он основал со своим братом Гэри. Когда к ним присоединились контрабасист Ли Рокер и барабанщик Слим Джим Фантом, а Гэри покинул группу, родились Stray Cats.
В 1980 году, считая, что в Англии у них больше шансов на успех, чем в Америке, музыканты продали свои инструменты, чтобы купить билеты на самолет, и улетели в Лондон. Это было смелое решение для молодых музыкантов, но оно себя оправдало.
После нескольких месяцев выступлений в Лондоне они познакомились с Дэйвом Эдмундсом, гитаристом и продюсером, разделявшим их любовь к рокабилли и рок-н-роллу 1950-х годов. Эдмундс спродюсировал их дебютный альбом "Stray Cats", выпущенный в Британии в 1981 году на лейбле Arista, который принес два хита: "Stray Cat Strut" и "Rock This Town".
Второй альбом "Gonna Ball" был менее успешным, но группа вернулась в Америку и выпустила сборник лучших композиций с первых двух альбомов под названием "Built for Speed". С помощью музыкальных видео на MTV Stray Cats стали популярны в Америке. Альбом разошелся тиражом в миллион копий и занимал вторую строчку в чартах Billboard в течение 15 недель.
Следующий альбом "Rant n' Rave with the Stray Cats" принес хит "(She's) Sexy + 17". Stray Cats стали лидерами рокабилли-ревайвла начала 1980-х, возродив интерес к музыке 1950-х годов среди нового поколения.
В 1984 году Stray Cats распались, хотя периодически воссоединялись для записей и турне. Музыкальные и личные конфликты начали проявляться в том, как участники группы справлялись с новообретенной славой. Фантом женился на актрисе Бритт Экланд, а Сетцер делал гостевые появления со звездами вроде Боба Дилана и Стиви Никс, стал концертным гитаристом для сайд-проекта Роберта Планта Honeydrippers.
Оглядываясь назад в 2012 году, Сетцер признавался, что распустить Stray Cats на пике успеха было глупостью. Но в тот момент он чувствовал необходимость двигаться дальше и исследовать новые музыкальные территории.
После распада Stray Cats Сетцер начал сольную карьеру, включая работу сессионным музыкантом. На своем первом сольном альбоме "The Knife Feels Like Justice" (1986) он отошел от рокабилли и двинулся в сторону ритм-энд-блюза и хартлэнд-рока в духе Джона Мелленкампа. Альбом был спродюсирован Доном Гехманом и включал барабанщика Кенни Аронофф — оба работали на альбомах Мелленкампа.
Второй студийный альбом "Live Nude Guitars" вышел в 1988 году. Сохранив некоторые элементы хартлэнд-рока, этот альбом нашел Сетцера движущимся в направлении прямого блюз-рока, сравнимого со стилем Джорджа Торогуда. Позже в том же году он отправился в турне с Торогудом.
Сетцер вернулся к своей любви к музыке 1950-х годов, на этот раз к джамп-блюзу Луиса Примы. Если в 1980-е он воскресил рокабилли, то в 1990-е он реанимировал свинг. Он собрал The Brian Setzer Orchestra — семнадцать музыкантов биг-бэнда, который привлек внимание публики кавер-версией песни Примы "Jump, Jive an' Wail" с альбома "The Dirty Boogie".
Песня выиграла премию Грэмми за лучшее поп-исполнение дуэтом или группой с вокалом, а "Sleep Walk" с того же альбома получила Грэмми за лучшее поп-инструментальное исполнение. Это был триумф, подтвердивший правильность творческого выбора Сетцера.
В 2007 году вышел альбом "Wolfgang's Big Night Out", где Сетцер представил свою интерпретацию классических произведений, таких как Пятая симфония Бетховена и "К Элизе". Альбом принес Сетцеру восьмую номинацию на Грэмми, на этот раз в категории лучший кроссовер-альбом классической музыки.
Сетцер также работал продюсером — в 2014 году он выступил исполнительным продюсером альбома "Ready Steady Go!" Дрейка Белла и сыграл на гитаре в двух песнях, помогая молодому артисту освоить рокабилли-звучание.
Сетцер был женат трижды: сначала на ДиАнне Мэдсен, с которой у него один сын, затем на Кристин Шмидт, с которой у него двое детей, и, наконец, в 2005 году на Джули Райтен, бывшей певице группы Dustbunnies. Он живет в Миннеаполисе.
В феврале 2025 года Сетцер поделился информацией о том, что у него аутоиммунное заболевание, которое мешает ему играть на гитаре. В ноябре 2025 года он объявил о борьбе с "серьезной болезнью", что потребовало отмены турне по США.
Stray Cats — американская рокабилли-группа, образованная в 1979 году гитаристом и вокалистом Брайаном Сетцером, контрабасистом Ли Рокером и барабанщиком Слимом Джимом Фантомом в городе Массапекуа на Лонг-Айленде, штат Нью-Йорк. У группы было множество хитов в Великобритании, Австралии, Канаде и США, включая "Stray Cat Strut", "(She's) Sexy + 17", "Look at That Cadillac", "I Won't Stand in Your Way", "Bring It Back Again" и "Rock This Town", которую Зал славы рок-н-ролла включил в список песен, сформировавших рок-н-ролл.
Группа впервые появилась в районе Нью-Йорка в середине 1979 года, выступая под различными названиями, включая Tomcats, Teds и Bryan and the Tom Cats. По словам Брайана Сетцера, они меняли названия, чтобы обмануть владельцев клубов (которые не нанимали одну и ту же группу на последовательные вечера), но сохраняли слово "Cats" в различных названиях, чтобы аудитория знала, что это та же группа.
Сетцер объединился со Слимом Джимом Фантомом на барабанах, и вскоре они добавили одноклассника и друга Фантома Ли Рокера на контрабас. Все трое были из одного района в Массапекуа и интересовались панком и рокабилли.
Стиль группы базировался на звучании артистов Sun Records и других исполнителей 1950-х годов, с сильным влиянием Эдди Кокрана, Карла Перкинса, Джина Винсента и Билла Хейли с его группой Comets. Stray Cats быстро развили большую фан-базу на нью-йоркской музыкальной сцене, играя в CBGB и Max's Kansas City, а также на площадках Лонг-Айленда.
Когда участники группы услышали слух о возрождении субкультуры тедди-боев 1950-х годов в Англии, они переехали в Великобританию. Они возглавили зарождающееся возрождение рокабилли, смешивая звучание Sun Studio 1950-х с современными панк-элементами. В визуальном стиле Stray Cats также смешали элементы одежды рокабилли 1950-х годов, такие как драповые пиджаки, туфли brothel creepers и западные рубашки, с панк-одеждой, такой как обтягивающие черные брюки на молниях и современные версии причесок 1950-х.
В середине 1980 года группу начали активно приглашать звукозаписывающие лейблы, включая Virgin Records, Stiff Records и Arista Records. Слухи быстро распространились, и вскоре члены The Rolling Stones, The Who и Led Zeppelin посещали их шоу.
После концерта в Лондоне Stray Cats познакомились с музыкантом и продюсером Дэйвом Эдмундсом, известным как энтузиаст рутс-рока за его работу с Rockpile и как сольный артист. Эдмундс предложил работать с группой, и они вошли в студию для записи одноименного дебютного альбома "Stray Cats", выпущенного в Британии в 1981 году на Arista Records.
В дополнение к трем хитам того года — "Runaway Boys", "Rock This Town" и "Stray Cat Strut" — они также выступили на восьмой день Монтре джаз-фестиваля. Британское продолжение "Stray Cats", альбом "Gonna Ball", не было столь хорошо принято и не дало хитов. Тем не менее, совокупные продажи первых двух альбомов убедили EMI America составить сборник лучших треков и выпустить альбом "Built for Speed" в США в 1982 году. Пластинка разошлась тиражом в миллион копий (платиновый статус) в США и Канаде и занимала второе место в чартах альбомов Billboard в течение 15 недель.
В 1983 году Stray Cats начали записывать свой третий (второй американский) студийный альбом "Rant N' Rave with the Stray Cats". В отличие от предыдущих студийных альбомов, половина альбома была записана в Лондоне, а остальное — в Нью-Йорке. Выпущенный в августе 1983 года, "Rant N' Rave" в целом получил положительные отзывы критиков, отмечавших дань группы легендам рок-н-ролла 1950-х, таким как Джин Винсент и Бо Диддли. Коммерчески "Rant N' Rave" не достиг успеха "Built for Speed", хотя и дал хит топ-десятки "(She's) Sexy + 17" и хит топ-сорока "I Won't Stand in Your Way" с участием ду-воп группы 14 Karat Soul.
Музыкальные и личные конфликты начали возникать из-за того, как участники справлялись с новообретенной славой. В конце 1984 года группа добавила бывшего гитариста BMT's и уроженца Лонг-Айленда Томми Бирнса на вторую гитару и бэк-вокал. После европейского и американского турне, закончившегося на Всемирной выставке в Луизиане 1984 года, Сетцер принял решение завершить группу, что огорчило других участников.
В интервью Сетцер сослался на беспокойство как на свою мотивацию: "Просто я больше не испытывал того великого чувства... У меня было пять хороших лет этого, но потом мне стало скучно. В последний год я перестал получать то чувство, тот великий кайф, который крутился в моем животе".
Однако Stray Cats периодически воссоединялись. В 1986 году они собрались в Лос-Анджелесе и записали альбом кавер-версий "Rock Therapy". Последовал длительный перерыв, но в 1989 году они снова воссоединились для альбома "Blast Off!", который сопровождался турне с блюз-гитаристом Стиви Рэем Воаном. Больше не с EMI America, они вошли в студию с Найлом Роджерсом для другого альбома "Let's Go Faster", выпущенного Liberation в 1990 году.
После альбома "Choo Choo Hot Fish" 1992 года, спродюсированного Дэйвом Эдмундсом, и кавер-альбома "Original Cool", группа снова распалась.
В 2004 году Stray Cats собрались для месячного турне по Европе. Концертный альбом из тех концертов "Rumble in Brixton" включал один новый студийный трек "Mystery Train Kept A Rollin'". В 2007 году они снова воссоединились для американского турне с ZZ Top и Pretenders — это было их первое североамериканское турне за более чем 15 лет.
В 2018 году Сетцер объявил через свою страницу в Facebook, что группа воссоединится для шоу в Лас-Вегасе. В октябре 2018 года группа объявила о воссоединении в 2019 году для нового альбома (первого за 25 лет), записи в Нэшвилле и турне в честь 40-летия. 26 марта 2019 года было выпущено видео на первый сингл альбома "Cat Fight (Over a Dog Like Me)", с объявлением о выходе альбома под названием "40" 24 мая.
В 2024 году группа объявила о трехнедельном летнем турне по США, их первом турне за пять лет. В 2025 году Stray Cats объявили о трехнедельном осеннем турне по США и выпустили две новые записи: оригинальную песню "Stampede", написанную в соавторстве Сетцером, и кавер-версию "Teenage Heaven" Эдди Кокрана. Однако турне было позже отменено из-за борьбы Сетцера с "серьезной болезнью".
Stray Cats стали катализатором рокабилли-ревайвла начала 1980-х годов. Их успех доказал, что музыка 1950-х годов может найти отклик у современной аудитории, если ее представить с правильной энергией и аутентичностью.
Группа была включена в Зал славы музыки Лонг-Айленда 15 октября 2006 года. Их влияние на современную музыкальную культуру невозможно переоценить — они вдохновили целое поколение музыкантов на изучение американских музыкальных корней и доказали, что ретро-стили могут быть актуальными и коммерчески успешными.
Рокабилли — один из самых ранних стилей рок-н-ролла. Он восходит к началу 1950-х годов в Соединенных Штатах, особенно на Юге. Как жанр, он объединяет звучание западных музыкальных стилей, таких как кантри, с ритм-энд-блюзом, что привело к тому, что считается "классическим" рок-н-роллом. Некоторые также описывали его как смесь блюграсса с рок-н-роллом.
Сам термин "рокабилли" представляет собой слияние слов "рок" (от "рок-н-ролл") и "хиллбилли" — последнее является отсылкой к кантри-музыке (часто называемой "хиллбилли-музыкой" в 1940-х и 1950-х годах), которая внесла значительный вклад в стиль. Другие важные влияния на рокабилли включают вестерн-свинг, буги-вуги, джамп-блюз и электрический блюз.
Определяющие особенности звучания рокабилли включали:
Первоначально популяризированный такими артистами, как Карл Перкинс, Элвис Пресли, Джонни Бёрнетт, Джерри Ли Льюис и другие, стиль рокабилли пошел на убыль в конце 1950-х годов. Тем не менее, в конце 1970-х и начале 1980-х годов рокабилли пережил возрождение. Интерес к жанру сохраняется даже в XXI веке, часто в рамках музыкальных субкультур.
Существовала тесная связь между блюзом и кантри-музыкой с самых ранних кантри-записей 1920-х годов. Первым общенациональным кантри-хитом была "Wreck of the Old 97", которая также стала довольно популярной. Джимми Роджерс, "первая настоящая кантри-звезда", был известен как "Голубой йодлер", и большинство его песен использовали блюзовые аккордовые прогрессии, хотя с совершенно другими инструментами и звучанием по сравнению с записями его чернокожих современников, таких как Блайнд Лемон Джефферсон и Бесси Смит.
В 1930-х и 1940-х годах появились два новых звучания. Боб Уиллс и его Texas Playboys были ведущими сторонниками вестерн-свинга, который объединил кантри-пение и стальную гитару с влияниями биг-бэнд джаза и духовыми секциями. Музыка Уиллса обрела массовую популярность. Записи Уиллса с середины 1940-х до начала 1950-х годов включали ритмы "two beat jazz", "джазовые хорусы" и гитарную работу, которая предшествовала ранним рокабилли-записям.
После того как блюзовые артисты вроде Мида Лакса Льюиса и Пита Джонсона запустили общенациональное буги-увлечение, начавшееся в 1938 году, кантри-артисты, такие как Мун Малликен, братья Делмор, Теннесси Эрни Форд, Спиди Уэст, Джимми Брайант и братья Мэддокс с Роуз начали записывать то, что тогда называлось "хиллбилли-буги", которое состояло из "хиллбилли" вокала и инструментов с буги-басовой линией.
После Второй мировой войны братья Мэддокс и Роуз находились "на переднем крае рокабилли со слэп-басом, который разработал Фред Мэддокс". Они переключились на более высокую передачу, склоняясь к причудливому хонки-тонк ощущению с тяжелым, маниакальным низом и высокой громкостью.
Наряду с кантри, свингом и буги-влияниями, джамп-блюз артисты, такие как Уинони Харрис и Рой Браун, и электрические блюз-группы, такие как Хаулин Вулф, Джуниор Паркер и Артур Крудап, повлияли на развитие рокабилли. Мемфисский блюзовый музыкант Джуниор Паркер и его электрическая блюз-группа Little Junior's Blue Flames с Пэтом Хэром на гитаре оказали большое влияние на стиль рокабилли, особенно своими песнями "Love My Baby" и "Mystery Train" в 1953 году.
Билл Монро известен как отец блюграсса, особого стиля кантри-музыки. Многие из его песен были в блюзовой форме, в то время как другие принимали форму народных баллад, салонных песен или вальсов. Блюграсс был основным продуктом кантри-музыки в начале 1950-х годов и часто упоминается как влияние на развитие рокабилли, отчасти из-за его предпочтения быстрых темпов.
Белые сыновья издольщиков Карл Перкинс и его братья Джей и Клейтон, вместе с барабанщиком У.С. Холландом, зарекомендовали себя как одна из самых горячих групп на хонки-тонк сцене вокруг Джексона, Теннесси. Большинство песен, которые они играли, были кантри-стандартами с более быстрым ритмом.
Именно здесь Карл начал сочинять свои первые песни. Играя, он наблюдал за танцполом, чтобы увидеть, что предпочитает аудитория, и корректировал свои композиции соответствующим образом, записывая их только тогда, когда был уверен, что они закончены. Карл отправил множество демо в нью-йоркские звукозаписывающие компании без успеха — продюсеры считали, что ритмически управляемый кантри в стиле Перкинсов не был коммерчески жизнеспособным.
Это изменилось в 1955 году после записи песни "Blue Suede Shoes" (записана 19 декабря 1955 года) на мемфисском лейбле Sun Records Сэма Филлипса. Позже ставшая более знаменитой благодаря Элвису Пресли, оригинальная версия Перкинса была ранним стандартом рок-н-ролла.
Первые записи Элвиса Пресли были сделаны на Sun Records, небольшом независимом лейбле, управляемом продюсером Сэмом Филлипсом в Мемфисе, Теннесси. В течение нескольких лет Филлипс записывал и выпускал выступления блюзовых и кантри-музыкантов в этом районе. Он также предоставлял услугу, позволяющую любому зайти с улицы и за скромную плату записать себя на двухпесенную пластинку. Одним молодым человеком, который пришел записать себя в качестве сюрприза для матери, был Элвис Пресли.
Пресли произвел достаточное впечатление, чтобы Филлипс назначил гитариста Скотти Мура, который затем привлек басиста Билла Блэка, оба из Starlight Wranglers, местной вестерн-свинг группы. Трио репетировало десятки песен, от традиционного кантри до госпел. Во время перерыва 5 июля 1954 года Элвис начал играть "That's All Right Mama", блюзовую песню Артура Крудапа 1946 года, и Мур и Блэк присоединились. После нескольких дублей Филлипс получил удовлетворительную запись. "That's All Right" была выпущена 19 июля 1954 года.
Версия Пресли "That's All Right Mama" объединила кантри, жанр, ассоциируемый с европейско-американской культурой, и ритм-энд-блюз, жанр, ассоциируемый с афроамериканской культурой. Получившийся трек был отвергнут на кантри-радиостанциях за то, что был "слишком черным", и на R&B станциях за то, что был "слишком белым".
Все ранние синглы Пресли содержали блюзовую песню на одной стороне и кантри-песню на другой, обе спетые в одном жанрово-смешанном стиле. Записи Пресли на Sun включают его вокал и ритм-гитару, перкуссионный слэп-бас Билла Блэка и усиленную гитару Скотти Мура. Слэп-бас был основным элементом как вестерн-свинга, так и хиллбилли-буги с 1940-х годов.
Никто не был уверен, как называть музыку Пресли, поэтому Элвиса описывали как "Хиллбилли Кэт" и "Король вестерн-бопа". Записи Пресли некоторыми описываются как квинтэссенция рокабилли за их истинное объединение кантри и R&B. В дополнение к слиянию отдельных жанров, записи Пресли содержат как традиционные, так и новые черты: "нервно в быстром темпе" (как описывает это Питер Гуральник), со слэп-басом, причудливой игрой на гитаре, большим количеством эхо, криками поощрения и вокалом, полным театральности, таких как икота, заикания и нырки от фальцета к басу и обратно.
В 1951 году лидер вестерн-свинг группы по имени Билл Хейли записал версию "Rocket 88" со своей группой Saddlemen. Это считается одной из самых ранних признанных рокабилли-записей. За ней последовали версии "Rock the Joint" в 1952 году и оригинальные работы, такие как "Real Rock Drive" и "Crazy Man, Crazy", последняя из которых достигла номера 12 в американском чарте Billboard в 1953 году.
12 апреля 1954 года Хейли, выступая со своей группой как Билл Хейли и его Кометы, записал "Rock Around the Clock" для Decca Records Нью-Йорка. Когда песня была впервые выпущена в мае 1954 года, "Rock Around the Clock" попала в чарты на одну неделю на 23-е место и продалась в 75 000 копий. В 1955 году она была представлена в фильме "Blackboard Jungle", что привело к возрождению продаж. Песня достигла номера 1, удерживала эту позицию восемь недель и была второй песней в чарте Billboard Hot 100 за 1955 год.
Были тысячи музыкантов, которые записывали песни в стиле рокабилли, и многие звукозаписывающие компании выпускали рокабилли-записи. Некоторые добились большого успеха в чартах и были важными влияниями на будущих рок-музыкантов.
Sun Records также принимал таких исполнителей, как Билли Ли Райли, Сонни Бёргесс, Чарли Фезерс и Уоррен Смит. Было также несколько женщин-исполнительниц, таких как Ванда Джексон, которая записывала рокабилли-музыку долгое время после других дам — Дженис Мартин, женского Элвиса Джо Энн Кэмпбелл и Алис Лесли.
Джин Винсент и его Blue Caps записали "Be-Bop-A-Lula", выпущенную 2 июня 1956 года. В течение двадцати одного дня она продалась тиражом более двухсот тысяч записей, оставалась на вершине национальных поп- и кантри-чартов в течение двадцати недель и продалась тиражом более миллиона копий.
Летом 1958 года Эдди Кокран получил хит, возглавивший чарты, с "Summertime Blues". Краткая карьера Кокрана включала лишь несколько хитов, таких как "Sitting in the Balcony", выпущенная в начале 1957 года, "C'mon Everybody", выпущенная в октябре 1958 года, и "Somethin' Else", выпущенная в июле 1959 года. Затем в апреле 1960 года, во время турне с Джином Винсентом в Великобритании, их такси врезалось в бетонный фонарный столб, убив Эдди в молодом возрасте 21 года.
Рокабилли-музыка пользовалась большой популярностью в Соединенных Штатах в 1956 и 1957 годах, но радиоэфир сократился после 1960 года. Факторами, способствующими этому упадку, обычно называют смерть Бадди Холли в авиакатастрофе в 1959 году (вместе с Ричи Валенсом и Big Bopper), призыв Элвиса Пресли в армию в 1958 году и общее изменение американских музыкальных вкусов. Стиль оставался популярным дольше в Англии, где он привлек фанатичных последователей вплоть до середины 1960-х годов.
"Камбэк" Элвиса 1968 года и такие исполнители, как Sha Na Na, Creedence Clearwater Revival, Дон Маклин, Линда Ронстадт и братья Эверли, фильм "American Graffiti", телевизионное шоу "Happy Days" и возрождение тедди-боев создали любопытство к настоящей музыке 1950-х годов, особенно в Англии, где сцена возрождения рокабилли начала развиваться с 1970-х годов в коллекционировании пластинок и клубах.
Наиболее успешным ранним продуктом сцены был Дэйв Эдмундс, который объединился с автором песен Ником Лоу, чтобы сформировать группу под названием Rockpile в 1975 году. У них была серия небольших хитов в стиле рокабилли, таких как "I Knew the Bride (When She Used to Rock 'n' Roll)". Группа стала популярным гастролирующим актом в Великобритании и США, что привело к респектабельным продажам альбомов. Эдмундс также воспитывал и продюсировал многих молодых артистов, которые разделяли его любовь к рокабилли, в первую очередь Stray Cats.
Stray Cats были наиболее коммерчески успешными из новых рокабилли-артистов. Группа сформировалась на Лонг-Айленде в 1979 году, когда Брайан Сетцер объединился с двумя школьными товарищами, называвшими себя Ли Рокер и Слим Джим Фантом. Привлекая мало внимания в Нью-Йорке, они полетели в Лондон в 1980 году, где услышали, что существует активная рокабилли-сцена.
Ранние шоу посещали Rolling Stones и Дэйв Эдмундс, которые быстро отвели ребят в студию звукозаписи. У Stray Cats было три сингла топ-десятки в Великобритании и два бестселлера-альбома. Они вернулись в США, выступая в телешоу Fridays с сообщением, мелькающим на экране, что у них нет контракта на запись в Штатах.
Вскоре EMI подписала их, их первые видео появились на MTV, и они штурмовали чарты в Америке. Их третий альбом "Rant 'N' Rave with the Stray Cats" возглавил чарты по всей США и Европе, пока они распродавали шоу везде в 1983 году. Однако личные конфликты привели к распаду группы на пике их популярности.
Некоторые эффекты и техники, тесно связанные с рокабилли как стилем, включают slapback (эффект быстрого эхо), slapback echo, flutter echo (трепещущее эхо), tape delay echo (ленточная задержка эхо), эхо и реверберацию.
Характерная реверберация на ранних хит-записях, таких как "Rock Around The Clock" Билла Хейли и его Комет, была создана путем записи группы под куполообразным потолком студии Decca в Нью-Йорке, расположенной в эхо-подобной бывшей бальной комнате под названием The Pythian Temple. Эта же студия также использовалась для записи других рокабилли-музыкантов, таких как Бадди Холли и Rock and Roll Trio.
Memphis Recording Services Studio, где записывал Сэм Филлипс, имела наклонный потолок, покрытый гофрированными плитками. Это создавало некоторый желаемый резонанс, но Филлипс использовал технические методы для создания дополнительного эхо: оригинальный сигнал с одной ленточной машины подавался через вторую машину с доли-секундной задержкой.
По сравнению с кантри-песнями, рокабилли-песни, как правило, имеют упрощенную форму, тексты, аккордовые прогрессии и аранжировки, более быстрые темпы и усиленную перкуссию. Существует большая вариативность в текстах и мелодиях, а стиль пения более театральный. По сравнению с ритм-энд-блюзом используется меньше инструментов, но перкуссия усиливается, чтобы заполнить звук.
Рокабилли-музыка культивировала отношение, которое обеспечило ее устойчивую привлекательность для подростков. Это была комбинация бунта, сексуальности и свободы — насмешливое выражение презрения к повседневному миру родителей и авторитетных фигур. Это был первый стиль рок-н-ролла, исполняемый преимущественно белыми музыкантами, что положило начало культурной революции, которая все еще отзывается эхом сегодня.
Рокабилли породил множество подстилей и повлиял на развитие других жанров, таких как панк-рок. Даже Битлз находились под сильным влиянием рокабилли. Когда Джон Леннон впервые встретил Пола Маккартни, он был впечатлен тем, что Маккартни знал все аккорды и слова "Twenty Flight Rock" Эдди Кокрана. Музыкально они объединили мелодическое песенное мастерство Холли с грубым рок-н-роллом звучанием Винсента и Карла Перкинса.
Рокабилли остается живым стилем и в XXI веке, с активными сценами по всему миру. От неорокабилли групп до психобилли-артистов, от ретро-исполнителей до современных музыкантов, вдохновленных этим звучанием, — дух рокабилли продолжает жить, напоминая о времени, когда музыка была молодой, дерзкой и полной революционной энергии.